Коллектив авторов - Эти чудные итальянцы

Концертный сезон в «Ла Скала» начинается в декабре и длится до июня. Осенью на его сцене проводятся симфонические концерты. Особой торжественностью отличается открытие сезона. Это всегда 7 декабря — день Святого Амвросия, покровителя Милана.

Миланская публика, очень требовательная и критичная, иногда растаптывала даже самые известные и признанные произведения. Так, например, на премьере в «Ла Скала» случилось с «Мадам Баттерфляй» Пуччини. Опера была исключена из репертуара театра более чем на 20 лет и вновь поставлена лишь в 1925 г. Любопытная история рассказывается об исполнении «Турандот» — оперы, которую Пуччини не успел закончить. После смерти композитора ее дописал, как известно, Франко Альфано. Премьерой в «Ла Скала» дирижировал Артуро Тосканини. Дойдя до того момента, где прерывается запись Пуччини, Тосканини положил свою палочку, повернулся к публике и сказал: «Здесь опера кончилась. Маэстро умер», — после чего покинул дирижерский пульт.

И сейчас, в современном мире, оперы прошлого века не забыты: любой итальянец за работой частенько насвистывает известный всем мотив, а не слишком состоятельные девушки экономят на всем, чтобы, подкопив денег и нарядившись в лучшее платье, хоть разок сходить в «Ла Скала», ведь именно опера стала еще одним поводом для гордости за свою страну.

Анекдот на тему:

Россиянин опаздывает на спектакль в «Ла Скала». Вламывается в зрительный зал, к нему подходит билетер:

— Тс-с-с-с… Тише, пожалуйста…

— А что, уже все спят?  

Корни итальянского театра уходят в глубь веков. Он зародился в Древнем Риме и, прославившись на весь мир, по сей день является образцом для подражания.

Древнеримский театр

Римское сценическое искусство развивалось под влиянием греческого театра и собственно римских народных представлений. На праздниках в честь жатвы исполнялись фесценины (грубоватые сатирические песни) и сатуры (представления, ведущие свое происхождение от танцев плясунов из Этрурии — современная Тоскана). Сатуры включали в себя музыку, танцы, пение, драматические сценки бытового комического содержания. Еще один вид представлений — ателланы — обычно комического содержания, где действовали маски-характеры. Маски-ателланы стали одним из истоков итальянской комедии дель арте. Каждая маска обозначает определенный вид личности. Всего было 4 постоянных персонажа: Макк — обжора, дурак и простофиля. Изображался он лысым, с крючковатым носом и ослиными ушами. Бунклен — смышленый и болтливый обжора с отвислыми губами и щеками. Папп — богатый, скупой и глупый старик. Доссен — хитрый горбун, невежа и шарлатан. Текст ателланы сочиняли по ходу действия участники спектакля, и только в I в. до н. э. появились литературные обработки.

На рубеже новой эры наибольшим успехом в Риме пользовались комедии, написанные как подражание греческим образцам, — паллиаты. Сам термин произошел от названия греческого широкого плаща — паллия; в них ходили герои этих произведений. Действия пьес происходили в Греции, но со временем в произведениях появлялось все больше и больше римских черт. Создателем паллиаты был Гней Невий, а расцвет жанра связан с именем Тита Макулия Плавта. «Плавт» в переводе означает «плосконогий», что, возможно, говорит о его приверженности к плясунам: такие актеры носили особую плоскую обувь. В своих пьесах он применял смешение: в одной пьесе смешивались фрагменты сюжетных линий пьес разных греческих авторов. Не меньшим успехом пользовались и контики — музыкальные комедии.

Долгое время в Риме не существовало постоянного здания театра. Римский театр не был связан с культом богатства и не имел того общественного значения, которое ему придавали в Греции. Актеров презирали. Их избирали из числа рабов или вольноотпущенников и за плохое исполнение роли могли побить. Представления давались на общегосударственных праздниках: римских сентябрьских играх, Плебейских ноябрьских, Аполлоновских июльских, во время Мегалесий — апрельских торжеств в честь великой матери богов. Спектакли могли ставиться и в любое другое время по инициативе знатного гражданина. Для представлений строились специальные сооружения, которые после ломались. Сценической площадкой был деревянный помост, поднятый над землей в половину человеческого роста. К нему вела узкая лесенка в несколько ступеней — по ней поднимались персонажи, по сюжету приехавшие из другого города. Для зрителей ставились скамьи, но иногда смотреть спектакль можно было только стоя.

Первый постоянный каменный театр был сооружен в 55 г. до н. э. полководцем Помпеем Великим и вмещал более 40 тыс. человек.

Император Октавиан Август для воспитания нравов стремился возродить на сцене римского театра трагедию и тем самым изменить отношение к театру. В этом его поддерживал Гораций. Тогда же был распространен пантомим — сольный мужской театрализованный танец. Актер выступал в маске и играл сразу несколько ролей, в том числе и женских. Содержание пантомима под музыку рассказывал хор.

Также была популярна пирриха — танцевальный спектакль в исполнении ансамбля танцоров; в качестве сюжета обычно выбирали мифологическую историю.

В V в. до н. э. под натиском отрядов германцев Римская империя пала. Вместе с государством погиб и античный театр. Искусство сцены возродилось только к ХV–XVI вв.

Национальное искусство создали комики-потешники, шуты. Они играли, импровизируя. Чаще всего разыгрывались смешные, а иногда и грустные бытовые сценки, описывающие жизнь горожан, сельчан, купцов, бродяг и ремесленников. Со временем в спектаклях появляются постоянные персонажи-маски: Арлекин, Бригелла, Коломбина, Пьеро и др. Такой театр получил название «комедия дель арте» («commedia dell’arte»), или «комедия масок». Каждый персонаж имел свою маску-характер и настоящую маску — часть костюма. Последняя указывала на особые качества героя: профессиональную принадлежность, социальный тип. Маски, изготовленные из материи или папье-маше, обычно закрывали половину лица. Актер, как правило, оставался в выбранном им образе на всю жизнь.

Существовал в Италии и другой театр — театр ученой комедии (la commedia erudita). Датой его рождения принято считать 1508 г., когда поэт и драматург Лудовико Ариосто показал ее во дворце герцога города Феррара. Эта комедия называлась «Комедия о сундуке».

Такие пьесы писали художники и ученые, политические деятели и поэты. Образцом для подражания служила античная драматургия. Сюжеты встречались самые разные, но независимо от этого в выигрыше всегда оставался герой, способный на искреннее и сильное чувство, не боящийся препятствий, бесстрашный и дерзкий, способный рисковать и любящий жизнь.

Под влиянием античного искусства возник такой жанр, как пасторале (франц. «pastirale», лат. «pastoralus» — «пастушеский»).

Ученые комедии разыгрывались во дворах знатных вельмож.

Первые профессиональные исполнители комедии масок появились в середине XVI в. С их появлением был написан и первый в истории театра трактат «Беседы о сценическом искусстве», где давались советы актерам по поводу мимики и голоса.

Итальянский театр XX в. так же ярок, как и в предыдущие столетия. Одним из самых выдающихся драматургов прошлого столетия был Луиджи Пиранделло. Для театра он начал писать в 1910 г. Его первые пьесы написаны в духе веризма (от итал. verismo — «истинность», «правдивость»). Эти произведения рассказывают о жизни на Сицилии, ее обычаях, нравах, маленьких захолустных городках и деревеньках. Персонажи комедий говорят на местном наречии, что также играет большую роль. Лучшая комедия того времени — «Лиола». Сам автор писал о ней так: «Герой — крестьянский поэт, пьяный от солнца, и вся комедия полна песен и солнца. Она так жизнерадостна, что кажется, что это не мое произведение». В дальнейшем тематика и настроение его произведений резко изменились. Теперь главным для него стал вопрос о том, как соотносятся иллюзия и реальность, маска и лицо. По мнению Пиранделло, объективной истины не существует: для каждого она своя. Жестокость жизни нередко заставляет его героев сбегать из реального мира в иллюзорный, выдуманный ими, красочный и беззаботный мир. Драматург оставляет вопрос об истине открытым, ведь чья-то истина может быть всего лишь чужой иллюзией. Человек многолик, и ни одно из этих лиц не является настоящим. Пытаясь защититься от ударов окружающего мира, герой надевает на себя маску. Зачастую маска срастается с его истинным обликом, и он уже не способен не только сбросить ее, но и отличить себя, настоящего, от вымышленного образа. Создается ощущение, что образ персонажа распадается, личность исчезает. Так Пиранделло выразил боль и растерянность людей своей эпохи, переживших Первую мировую войну.